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Neulich saß ich mit einer Autorin zusammen und las ihre Szene, in der die Protagonistin erfährt, dass ihr Vater gestorben ist. Die Autorin hatte sich alle Mühe gegeben. Fünf Absätze voller Tränen, Schluchzen, Schreien. Die Protagonistin sank auf die Knie, rang die Hände, konnte kaum atmen vor Schmerz. Jedes erdenkliche Zeichen von Trauer türmte sich auf der Seite auf.
Und doch fühlte ich nichts.
„Das Problem ist nicht, dass die Emotion fehlt", sagte ich vorsichtig. „Das Problem ist, dass du zu viel davon zeigst."
Die Autorin sah mich ungläubig an. Wie kann man zu viel Emotion zeigen? Ist nicht genau das der Punkt, Menschen zum Weinen zu bringen? Tatsächlich verhält es sich genau umgekehrt. Die mächtigsten emotionalen Momente in der Literatur leben nicht in den großen Ausbrüchen, sondern in den winzigen, kaum merklichen Reaktionen. Es sind die Tränen, die sich in den Augen sammeln, aber nicht fallen. Die heiße Röte, die in die Wangen kriecht. Der bösartige Gedanke, der hochschießt und einen selbst erschreckt. Diese Reaktionen treffen uns mitten ins Herz, weil wir sie kennen und sie selbst erlebt haben.
Wenn eine Szene nicht emotional genug wirkt, glauben wir oft, das Problem liege daran, dass wir nicht genug Emotionen reinpacken. Also packen wir noch mehr drauf. Es gibt noch mehr Tränen und noch mehr herzzerreißende Reden. Dazu noch theatralische Absätze darüber, wie die Figur sich fühlt, fühlt, fühlt.
Das Resultat? Die Leser*innen denken nicht „Oh, wie traurig", sondern „Also, bitte" und steigen aus. Die Szene wirkt aufgeblasen, künstlich, wie schlechtes Amateurtheater in der örtlichen Gemeindehalle.
Erinnere dich an einen Moment, in dem dich etwas wirklich getroffen hat. Vielleicht hast du eine schlechte Nachricht am Telefon erhalten. Oder jemand hat etwas kommentiert, das saß. Was geschah in diesem Moment?
Du hast wahrscheinlich nicht geschrien oder geweint. Stattdessen bist du vielleicht erstarrt und hast geschluckt. Hast du einen Gedanken gedacht, den du lieber nicht gedacht hättest und für den du dich vielleicht schämst? Dein Körper reagierte schneller als dein Verstand. Deine Hände wurden kalt, dein Herz raste, deine Kehle schnürte sich zu.
Genau diese Art von Emotion können Leser*innen nachvollziehen. Sie erkennen sich darin wieder. Sie erinnern sich an Momente, in denen sie genau das gespürt haben.
In Dänemark, wo ich lebe, gibt es eine kulturelle Eigenheit, die dem deutschen Understatement ähnelt. Man zeigt seine Gefühle nicht überschwänglich. Wenn ein Däne aus Jütland sagt „Det var ikke så ringe" (Das war nicht so schlecht), meint er eigentlich „Das war fantastisch". Diese emotionale Zurückhaltung prägt auch die skandinavische Literatur. Denk an die Werke von Jussi Adler-Olsen oder an Autoren wie Pia Juul. Die mächtigsten Momente entstehen nicht durch Dramatik, sondern durch das, was ungesagt bleibt, was unter der Oberfläche brodelt.
Es gibt emotionale Kontexthinweise, die den Leser*innen helfen, Gefühle zu erfassen, ohne dass du sie ausdrücklich benennst. Drei davon möchte ich dir näherbringen.
Das sind die unwillkürlichen körperlichen Reaktionen, die mit einer Emotion verknüpft sind. Eine enge Brust, zitternde Hände und plötzliche Wärme oder Kälte, die durch den Körper schießt. Diese Empfindungen kennen wir alle. Wenn deine Figur erfährt, dass sie die Stelle nicht bekommen hat, brauchst du nicht zu schreiben „Sie fühlte sich enttäuscht und traurig". Schreib stattdessen: „Ihre Finger wurden taub. Sie starrte auf den Brief, aber die Buchstaben verschwammen."
Das sind die kleinen Gesten, die verraten, was in einer Figur vorgeht. Sie könnte den Blick abwenden, sich hinsetzen, statt stehenzubleiben. Nach etwas greifen, das Halt gibt. Ich erinnere mich an eine Szene in einem Roman, den ich begleitet habe. Die Protagonistin erfuhr von der Untreue ihres Partners. Die Autorin beschrieb nicht den Schmerz in langen Absätzen. Sie zeigte, wie die Protagonistin den Rand der Küchenarbeitsplatte umklammerte, so fest, dass ihre Knöchel weiß wurden. Diese eine Geste sagte alles.
Das sind die ehrlichen, ungeschützten Gedankenblitze, die in emotionalen Momenten auftauchen. Es kann ein einzelnes Wort sein oder eine Erkenntnis, die die Figur nicht haben will. Eine Frage, die sie fürchtet zu stellen oder zu beantworten. Stell dir vor, deine Figur steht bei der Beerdigung eines Menschen, den sie heimlich gehasst hat. Der Gedanke, der hochschießt, könnte sein: „Endlich." Nur dieses eine Wort. Es offenbart mehr über die Figur und ihre innere Zerrissenheit als drei Absätze Erklärung.
Eine Mischung aus diesen drei Reaktionen hilft den Leser*innen, die Emotion zu erkennen und sich an eigene ähnliche Momente zu erinnern. Und genau das trifft sie mitten ins Gefühl.
Wenn wir Figuren entwickeln, beginnen wir meist mit Namen, Hintergrund, Persönlichkeit, Vorlieben, Abneigungen, Schwächen und Stärken. Aber im Zentrum all dieser Eigenschaften sitzt eine treibende Kraft, die alles andere beeinflusst.
Der emotionale Kern.
Menschen - und damit auch unsere fiktiven Figuren - sind komplizierte Wesen. Aber der emotionale Kern ist einfach. Es ist die primäre Emotion, die das Denken und Verhalten einer Figur antreibt.
Denk an die Menschen in deinem Leben. Wenn du sie in einem Wort beschreiben müsstest, welches wäre es? Fröhlich? Egoistisch? Geizig? Großzügig? Liebevoll? Albern?
Das bedeutet nicht, dass sie sich immer so verhalten. Aber eine egoistische Person denkt zuerst an sich selbst, und selbst ihre großzügigen Taten werden oft von diesem Egoismus geleitet. Eine egoistische Person könnte sich anbieten, bei einer Party zu helfen, um in der Dankbarkeit des Gastgebers zu baden und gut dazustehen. Oder sie könnte zu früh zu Veranstaltungen erscheinen, bei denen Entscheidungen getroffen werden, um die erste Wahl zu haben. Situationen manipulieren, sodass sie bekommt, was sie will, während sie anderen großmütig hilft, danach das Ihre zu bekommen.
Nach außen wirkt diese Person vielleicht großzügig. Aber die Motive hinter ihren Taten entspringen persönlichem Gewinn, nicht dem Bedürfnis, andere zu unterstützen. Die Art, wie wir diese Figur schreiben, unterscheidet sich massiv von der Art, wie wir jemanden schreiben würden, der selbstlos großzügig oder offen gierig ist.
Das bedeutet nicht, dass die egoistische Person schlecht ist. Sie kann trotzdem fürsorglich sein, nette Dinge tun. Die Resultate ihres Verhaltens können positiv ausfallen. Aber ihre Motivation kommt aus einem anderen Raum als bei jemandem, der nur aus Güte handelt.
Ich denke dabei an Hans Christian Andersen, den berühmten dänischen Märchenautor. Seine Figuren haben oft einen klaren emotionalen Kern. Denk an die Schneekönigin. Ihr emotionaler Kern ist Kälte, im wörtlichen wie im übertragenen Sinn. Sie handelt nicht aus Bosheit, sondern aus absoluter emotionaler Leere. Das macht sie auf eine Weise erschreckend, die eine aktiv böse Figur nie erreichen könnte.
Schau dir deine Figuren an, besonders deine Protagonistinnen und Antagonistinnen.
Was ist ihr emotionaler Kern? Welche Emotion treibt ihre Handlungen tief im Unterbewusstsein an? Für welche Art von Person halten sie sich selbst? Haben sie recht damit?
Manchmal glauben wir, eine bestimmte Art von Person zu sein, obwohl wir es nicht sind. Wir halten uns für großzügig, aber diese Großzügigkeit entspringt dem Bedürfnis, gemocht zu werden. Oder dem Wunsch, bewundert zu werden. Oder der Angst, ausgeschlossen zu werden. Diese subtile Unterscheidung in deinen Figuren verschafft dir Ebenen emotionaler Tiefe, mit denen du spielen kannst.
Figuren sind kompliziert. Sie handeln und verhalten sich widersprüchlich. Sie können subtil oder offensichtlich agieren, je nachdem, wie deutlich du es den Leser*innen machen möchtest. Nutze den emotionalen Kern deiner Figuren, um vielschichtige, interessante Menschen zu erschaffen, die aus persönlichen Gründen handeln, die einzigartig für sie sind.
Emotionen sind kompliziert. Du freust dich vielleicht für eine Freundin, die gerade befördert wurde, aber fühlst gleichzeitig Neid, weil du übergangen wurdest. Oder du bist begeistert für deine Schwester, die den Mann ihrer Träume heiratet, aber besorgt, weil dies seine fünfte Ehe ist.
Widersprüchliche Emotionen sind chaotisch. Aber genau diese Widersprüche lassen Figuren real und nachvollziehbar wirken.
Was gut für uns ist, denn in widersprüchlichen Emotionen liegen die saftigsten Story-Momente. Die Leser*innen können nicht anders, als sich hineinziehen zu lassen. Es sind die Schichten von Emotionen, die die Figuren in verschiedene Richtungen zerren, die die Geschichte unvorhersehbar und fesselnd machen. Widersprüchliche Emotionen wirken besonders effektiv, wenn:
Eine Entscheidung einen echten persönlichen Preis trägt. Eine Beziehung angespannt ist oder sich entwickelt. Eine Figur kurz davor steht, etwas zuzugeben, dem sie ausgewichen ist.
Mein Tipp ist: Wenn du in eine Szene eintauchst, denk über die verschiedenen Emotionen nach, die deine Figuren fühlen, und wie du diese Schichten nutzen kannst, um die Szene zu vertiefen und mit den Leser*innen zu verbinden.
Oft gibt es ein Gefühl oder eine Stimmung, die Vorrang hat und die Protagonist*in in dieser Szene zum Handeln treibt. Das bestimmt typischerweise die Art der Szene.
Angst wird zu einer spannungsgeladenen Szene. Lust wird zu einer Liebesszene. Traurigkeit wird zu einer nachdenklichen Szene.
Stell dir eine gefährliche Verfolgungsjagd vor. Wahrscheinlich zeigen deine Figuren primär Angst, Sorge oder Aufregung, was dieselben Emotionen in deinen Leser*innen weckt. Aber was, wenn die Figuren weder Angst noch Aufregung spüren? Die Szene wird vermutlich an Spannung verlieren und sich eher wie eine Spritztour anfühlen als wie eine Verfolgung.
Auf einer ruhigeren emotionalen Ebene ist ein berührender Familienmoment typischerweise in Liebe und Wertschätzung gewickelt. Ohne diese Emotionen könnte die Szene hohl wirken, als würden die Figuren nur Rollen spielen.
Egal welche Hauptemotion die Figur antreibt, unter der Oberfläche geschieht wahrscheinlich mehr. Mit welchen anderen Problemen kämpft sie? Gibt es etwas, das sie davon abhält, die primäre Emotion voll zu erleben? Vielleicht hält Angst sie davon ab, sich in die richtige Person zu verlieben?
Hier kann auch Subtext ins Spiel kommen. Vielleicht fühlt eine Figur etwas, das sie nicht teilen möchte, aber es sickert trotzdem durch.
Ich arbeite gerade mit einer Autorin, die einen Roman über eine Frau schreibt, die nach Jahren nach Dänemark zurückkehrt. In einer Szene trifft sie ihre Mutter. Die primäre Emotion ist Freude über das Wiedersehen. Aber darunter lauert Wut über alte Verletzungen, Schuld wegen des langen Fernbleibens, Angst, dass nichts sich geändert hat. All das flackert durch kleine Gesten auf - ein zu festes Umarmen, ein Blick, der zu schnell weggleitet, ein Satz, der abbricht.
Widersprüchliche Emotionen bilden den Kern des inneren Konflikts deiner Figur und ihres Charakterbogens. Wo sind ihre Gefühle ambivalent? Wo widersprechen sie emotional anderen Figuren in der Szene? Was sollten sie nicht fühlen, fühlen es aber trotzdem?
Denk an Karen Blixens „Babettes Gastmahl". Die beiden Schwestern fühlen Dankbarkeit für Babettes Opfer, aber auch Unbehagen über die Extravaganz des Mahls, das ihren religiösen Überzeugungen widerspricht. Sie wollen die Freude genießen, fühlen sich aber schuldig dabei. Dieser Widerspruch treibt die gesamte Erzählung.
Menschen fühlen ständig Dinge, die sie lieber nicht fühlen würden. Wir versuchen, Neid oder Wut oder sogar Liebe zu unterdrücken, und manchmal wissen wir nicht einmal, dass wir es tun. Gibt es etwas, das deine Figuren zu verbergen versuchen? Etwas, das sie nicht fühlen wollen?
Hier können unbewusste Ziele oder Gefühle durchsickern. Ein ausgezeichneter Ort für reichhaltigen Subtext.
Manchmal gibt eine Figur vor, etwas zu fühlen, obwohl sie nichts fühlt. Vielleicht aus Mitgefühl - eine kleine Notlüge, um jemandes Gefühle zu schonen. Oder aus Selbstschutz - so tun, als wäre man noch der Freund der Person, von der man gerade entdeckt hat, dass sie einen verraten hat. Gibt es in dieser Szene Momente, in denen deine Figuren etwas vortäuschen?
Vergiss nicht, sowohl die guten als auch die schlechten Gründe zu erforschen, aus denen jemand eine Emotion vortäuschen könnte. Wir setzen eine tapfere Miene auf, wenn wir nicht zeigen wollen, dass wir Angst haben oder unglücklich sind. Genauso dämpfen wir unsere Begeisterung, wenn wir unser Glück nicht jemandem unter die Nase reiben wollen.
Neulich arbeitete ich mit einer Autorin an einer Szene, in der die Protagonistin ihrer Tochter von der Scheidung erzählt. Die erste Version war voll von langen Erklärungen, Tränen, Umarmungen. Alles sehr offensichtlich traurig. Wir haben die Szene neu geschrieben. Die Mutter sitzt am Küchentisch. Die Tochter kommt aus der Schule. Die Mutter sagt den Satz - „Papa und ich trennen uns" - und dann hört sie auf zu reden. Sie schaut auf ihre Hände. Die Tochter sagt nichts. Draußen fährt ein Auto vorbei. Die Mutter denkt: Sag etwas. Bitte sag etwas. Aber sie sagt es nicht laut. Die Tochter steht auf, geht zum Kühlschrank, nimmt sich einen Apfel, beißt hinein. Das Geräusch des Bisses ist laut in der Stille.
Diese Version traf uns beide mitten ins Herz. Weil die Emotion nicht ausgesprochen wurde, sondern in der Stille lebte, im Nicht-Gesagten, im Geräusch des Apfelbisses.
Nimm eine Szene, in der eine Figur eine Emotion erlebt. Markiere alle Textstellen, die die Emotion erklären oder zeigen. Prüfe, ob du das hast: Eine innere Empfindung, ein körperliches Signal oder ein Gedankenfragment.
Strebe mindestens eines von jedem an und passe es der emotionalen Intensität der Szene an. Wenn du bemerkst, dass du mehr als drei Reaktionen einer Art hast - besonders in einem Absatz - streiche ein paar und schau, wie es sich liest. Das kann dir helfen, emotionale Momente in der Szene zu identifizieren und zu verstärken.
Robert Frost sagte einmal: „Keine Tränen beim Schriftsteller, keine Tränen beim Leser."
Er meinte damit nicht, dass du beim Schreiben heulen sollst. Er meinte, dass die Emotion echt sein und von innen kommen muss, aus dem Knochenmark deiner Figuren.
Die gefährlichste Versuchung beim Schreiben ist zu glauben, dass mehr mehr ist. Mehr Tränen, mehr Drama, mehr Erklärungen. Aber die Wahrheit verhält sich umgekehrt. Weniger ist mehr. Die Träne, die nicht fällt, trifft härter als der Tränenstrom. Der Gedanke, den die Figur nicht aussprechen will, offenbart mehr als die lange Rede.
In Dänemark gibt es ein Wort: „hygge". Ich glaube,mit diesem Wort sind wir weltberühmt geworden. Es beschreibt nicht nur Gemütlichkeit, sondern auch die Kunst, in kleinen Momenten Bedeutung zu finden. Eine Kerze, die flackert, dem Regen zu lauschen, der gegen das Fenster prasselt, während man eine Tasse Tee zwischen kalten Händen hält. Diese kleinen Momente tragen emotionales Gewicht, weil sie real sind, weil wir sie kennen.
Genau so funktionieren die besten emotionalen Szenen in der Literatur. Sie finden das Gewicht nicht in der Dramatik, sondern in der Stille dazwischen. In dem, was nicht gesagt wird. In der Hand, die sich nicht bewegt. In dem Gedanken, der blitzt und wieder verschwindet.
Also lade ich dich ein: Schau dir deine Szenen an. Wo hast du zu dick aufgetragen? Wo kannst du streichen, kürzen, weglassen? Wo kannst du den großen Ausbruch durch einen kleinen Moment ersetzen - eine Geste, eine Empfindung, einen halben Gedanken?
Trau dich, weniger zu zeigen und mehr zu vertrauen. Vertraue darauf, dass deine Leser*innen klug genug sind, die Emotion zu spüren, ohne dass du sie ihnen mit dem Holzhammer einprügelst. Vertraue darauf, dass die kleinen, wahren Momente mehr Kraft haben als alle theatralischen Ergüsse zusammen.
Denn am Ende des Tages schreiben wir nicht, um zu beeindrucken. Wir schreiben, um zu berühren. Berührt werden wir nicht von den großen Gesten, sondern von den kleinen Wahrheiten, die uns an unsere eigenen erinnern. Dort, in diesen kleinen Räumen, lebt die wahre Emotion. Dort wartet das Herz deiner Geschichte.
